Empieza la quinta jornada del festival  con una proyección que a bastante gente le puede interesar por su director , Eduardo Chapero-Jackson.  Después de presenciar esos tres maravillosos cortos “ A contra-cuerpo”  , “ Alumbramiento “ y “ The end “ , cosecharon buena acogida por parte de la critica y en variares festivales.

En esta ocasión Eduardo nos muestra con su primer film , una mezcla de sus tres primeros cortos conjugando un cine de “ fantasía “  y entretenimiento.

Su protagonista , la joven adolescente Sara ( encarnada por Alba Garcia ) , también descubre un mundo paralelo encontrado una nueva realidad y sus claves para dar sentido a sus numerosas dudas que le corren por el pensamiento.

La joven Sara sueña , construye universos personales , y está dispuesta a correr el mayor peligro que le puede acechar y a huir de peligros muy concretos.

Junto con Alba Garcia se encuentra en el reparto Miguel Ángel Silvestre ( También conocido por el Duque ) el que será el encargo de dar consejo a Sara , y mostrarle el camino mediante graffitis.  A ellos se les une Verónica Echegui , Victor Clavijo , Macarena Gómez , y Adam Jezierski.

Todo hacia pensar que el debut de Eduardo con un largo metraje sería toda una garantía tras haber realizado esos fantásticos cortos, pero el resultado ha sido todo lo contrario.

Tan es la locura que nos quiere mostrar , con los contrastes en fotografía ( que por cierto es fenomenal )  que el experimento se le va a pique. Una historia de lo mas aburrida a medida que pasan los minutos.  Nada te hace sentir dentro de la película , no tienes una razón por la cual sentir angustia , sentir miedo , o simplemente meterte en la piel de Sara y en su mundo.

Tampoco es de merecer a los actores , Miguel Ángel silvestre parece salir de series tan insultantes como Física o Química , o una Verónica Echegui irreconocible después de su magnifica película “ Yo soy la Juani “ ( De Bigas luna ). Por no hablar del rap que utilizan durante todo el metraje , un rap que consiste en hablar en verso para así combatir al “ mal “ que hay dentro del mundo de Sara , un rap que a final de película estás deseando coger tu bolsa para irte lo mas rápido posible de la sala y no saber absolutamente nada mas de esta.

En una cinematografía como la española , que escasea este tipo de ideas , supone todo una novedad encontrarse con una fábula fantástica con aspiraciones artríticas y narrativas , pero los resultados han sido desfavorecedores en esta ocasión, una gran pena.

Otra vez con una nueva decepción en el festival , de las cuales intento olvidar y no contar.

La cinta japonesa “ Scabbard Samurai “ es la siguiente cinta que nos espera en el día de hoy.

El director Hitoshi Matsumoto ( Dainniponjin ) nos trae ahora su nueva cinta , de nuevo otra locura mas de este gran hombre.

En esta ocasión el nuevo film del director nos cuenta la historia de Kanjuro Nomi , un samurai  sin espada . Tras abandonar por completa la violencia , renuncia a todo para escapar de ley y convertirse en un fugitivo junto con su hija Tae. Después de este acto , el samurai está en modo de busca y captura por los oficiales del rey , así como perseguido por varios asesinos a sueldo.

Capturado finalmente por estos , su única oportunidad para salvarse es hacer reír al hijo del señor feudal , y para ello dispondrá de 30 días, si fracasa en su misión deberá cometer Sepukku.

Una comida de lo mas entrañable , y es que desde el minuto uno tenemos la carcajada en nuestros rostros.  Unos gags que nos dejan ver como el samurai realiza las pruebas mas absurdas que os podáis imaginar para lograr la carcajada del niño. Cada día que pasa las pruebas se van convirtiendo en unas pruebas de lo mas denigrantes para el personaje , cada vez cae mas bajo y en el mas absoluto ridículo.  Todo lo contrario vemos a su hija , que desde el principio del film se siente avergonzada de su padre  , y su único deseo es verle morir.

Una mezcla de comedia con una dosis bastante fuerte de drama es lo que encontraremos en esta cinta , con una combinación de las dos que hace que el espectador pase de una carcajada a una lagrima en cuestión de minutos.  Esto es lo que consigue el director , y no siempre sale bien , estos cambios de ritmos  suelen ser un poco cansinos y no a todo el mundo le agrada. En esta ocasión , cumple perfectamente su propósito , y ya en la parte final del film con un bonito y emotivo final,  el espectador deberá coger su pañuelito para secarse las lagrimas.

Muy buen ritmo en una tremenda historia , contada a la perfección , con sus dosis de comedia y drama.

Después del buen sabor de boca que nos deja este título japonés , ahora nos toca un film muy suculento y con una muy buena pinta , “ Another Earth “ .

El director Mark Cahill nos trae su primera opera prima , la que ha acogido varios premios en festivales y con tanta buena critica del publico.

“ Another Earth “ nos plantea un argumento de ciencia ficción,  ( una nueva era de ciencia ficción “ Indie” ) y desarrolla un drama romántico a su misma vez. Un cuerpo celeste ha orbitado durante años alrededor de la Tierra descubriéndose así como una replica exactamente igual a nuestra propia Tierra , inclusive nuestras propias copias.

El tema que propone recae en la joven Rhoda Williams ( caracterizada por Brit Marling ) , una estudiante que una noche de fiesta , volviendo a casa con unas cuantas copas de mas se estampa contra el coche de John Borrought ( William Mapother ) y su familia. El pierde a su mujer y a su hijo tras el coche mortal y ella pierde años de su vida encerrada en una celda.

Tras pagar condena , Rhoda por fin encuentra a ese hombre cuya vida le es indiferente , para expresarle su culpa y su perdón.

La protagonista emprende una huida hacia delante , guiada por unos sentimientos de culpa y su ansia de perdón por parte de John.

La misma noche del accidente el cuerpo celeste  ( un planeta espejo del nuestro )  abarca todas las portadas en la prensa dejando a un lado a este espantoso accidente.

Tierra 2 ( así llaman al cuerpo celeste que apreció de la nada ) puede ser una proyección de una segunda oportunidad donde los destinos de los protagonistas no llegaron a romperse. Por otra parte , para otros , Tierra 2 no es mas que una materialización de todos los sentimientos de los protagonistas , una salida que surge en la imaginación del individuo en busca de otra realidad que le saque de la que le ha tocado.

Tierra 2 rompe con todos los esquemas y da esa esperanza de recuperar lo que uno anhela  , recuperando así sus seres queridos y el sentido de culpabilidad.

Durante todo el transcurso de la cinta podemos ver la magnifica realización Mike Cahill , como consigue relatar a los personajes en una puesta en escena formidable. Así como una fotografía de escándalo y una Brit Marling que está que rompe con todos los esquema de interpretación.

Con un final de excepción , el director consigue dejar eclipsado al espectador , es lo que hace a esta película ser toda una maravilla del cine.

Después de esta excepcional cinta , no queda nada mas que decir y abandonamos el barco hasta mañana.

Pronto por la mañana nos tocará una Coreana , en esta ocasión se trata de “ Revenge a love Story “.

“ Revenge a love Story “ nos habla de una pareja             es agredida brutalmente por unos policías y de como el tipo decidirá tomarse la justicia por su mano con el objetivo de ir sobre estos policías sin ningún tipo de remordimiento.

La violencia estalla de forma cruda y directa , sin ningún tipo de tapujos , como ya vamos viendo en esta oleada de películas coreanas sobre la venganza.

Ching Po-Wong va jugando con los flashbacks durante toda la película , a medida que vamos contemplándolos vamos teniendo respuestas y preguntas al mismo momento. Con estas pequeñas dosis que utiliza el director va dejando pegado a su asiento al espectador , queriendo saber mas y mas.

El arranque de la película no puede ser mas brutal , y es que vemos como una mujer se produce una aborto ella misma con un chuchillo ,  junto con una escena de lo mas violenta sobre el asesinato de Kit.

El guión ( escrito por el director y nuestro protagonista ) juega a poner en un bando u en otro al espectador , donde vemos como el odio no puede crecer mas desentrañando toda esta violencia extrema y sanguinaria. Pero a medida que va pasando el film , no podemos dejar claro si el protagonista tiene razón , y es que contemplar los actos de Kit no creo que ningún ser humano lo pueda defender.

La venganza, esto es lo que nos quiere mostrar el director , eterna reflexión : La violencia solo genera mas violencia , como una brutal ironía sobre el sentido de la justicia.

Poco mas se puede decir de este titulo , y es que cada vez estamos presenciando mas y mas títulos coreanos de este estilo. Una recomendable cinta , con una historia que por momento vemos mas en el cine coreano.

Llegado a este punto , nos toca otra coreana , ni mas ni menos que “ The Yellow Sea” . Na Hon-jin tras su impresionante cinta “ The Chaser “ en 2008 con la que ganó el premio CasaAsia en el festival , nos vuelve a demostrar que un genio puede volver hacer otra obra de arte.

“ The Yellow Sea “ toma como protagonistas a los Chinos-Coreanos que viven cerca de la franja entre China , Corea y Rusia.  Aquí vive un taxista el cual no sabe nada de su mujer desde hace mucho tiempo , la cual se mudó a corea del sur en busca de una mejor vida. Este , sin tener dinero apenas para sobrevivir , intenta desesperadamente encontrar algo de dinero para realizar ese viaje , topándose con un mafioso el cual le prestará el dinero de viaje , estancia y demás a cambio de la ejecución de un hombre.

Una acción trepidante y una violencia bastante llamativa  es lo que podremos ver durante todo el metraje de cinta , con sangre , mucha sangre. Construyendo un thriller sobre una historia que narra como una persona puede llegar a ser tan violenta  que no tiene cavidad en este mundo.

Los primeros actos de la película nos dejan una filmación increíble , con unos planos que no te dejaran parpadear un segundo , narrado casi sin diálogos pero con una gran tensión.

El ultimo tramo de la película nos deja acción a diestro y siniestro, matanza , persecuciones apasionantes , con cambios en el guión y en el sentido de la historia , y por si fuera poco , los personajes mas superheroicos nunca  vistos. , a prueba de balas y navajazos. Y no señores , no nos confundamos , la manera de rodar no es Michel Bay , Ni Hon-jin está a años luz.

Una película muy parecida a su antigua “ The Chaser “ , con una primera parte muy bien rodada , con un guión diferente pero a la misma vez bueno , y con una parte final trepidante , acción , muerte y desenfreno es lo que encontraremos con este film.

Salimos del cine con una sonrisa así como con la boca abierta , y es que Ni Hon-jin ha vuelto a cumplir.

Llega la tercera jornada de festival , y con ella nos espera un titulo de un director Coreano muy alabado en el sector . Se trata de Kim Ki-Duk , el cual no vemos ningún nuevo proyecto desde el pasado 2008 , con su última película “ Dream”

Tras el accidente de la protagonista de “ Dream” el director sufrió un gran shock que le dejo sin fuerzas para poder continuar haciendo las maravillas detrás de una cámara.

Aislado en una montaña, sin apenas civilización, el director se hundió en la mas absoluta miseria viviendo como un mendigo en cuatro cabañas mal montadas. Esta es la historia que nos trae , un documental grabado con una mini cámara.

Arirang , así es como se llama un himno de corea del suda , el cual está presente durante todo el metraje. Una canción que puede ser que a mas de uno les duela los oídos después de casi dos horas de documental .

Durante todo el transcurso de este documental , el director Kim Ki-duk nos cuenta como sufrió aquel tremendo accidente que casi deja muerta a la joven actriz , de cómo el mundo se le vino encima sin poder coger nunca mas una cámara.

En el film vemos dos caras de Kim , dos caras muy diferentes , luchando entre ellas , el bien y el mal , pero sin tener un objetivo ni una idea clara de que hacer con su vida , de que hacer con todo lo que ha hecho durante todos estos años atrás. Porque? Se explica Kim , porque no puede continuar haciendo ese cine tan magistral que a todos nos tenia acostumbrado. Esta es solo una pregunta de muchas otras que se cuestionan .

Lloros , lagrimas , y desesperación es lo único que podemos encontrar en esta película un tanto denigrante.  Pero , hasta que punto llega la verdad? Es cierto que todo este documental es real? Que vive como un mendigo y que ha dejado de lado todo la población? Muchas son las cuestiones que podemos pensar acerca de ello , ya que en varias escenas del film podemos ver como donde come el director , o en donde guarda la ropa , simplemente son maniquís , como cuando compras algo y no desenvuelves el contenido.

Un tanto largo para mi gusto , pero al mismo tiempo esa locura que le precede , esas frases sin sentido ( solo el que le pueda dar el ) , es lo que hace que sea ameno , y a la vez , que te cuestiones con mayor fuerza lo de “ falso “ documental.

Nada queda claro después de su visionado. Una pena tras ver todas las maravillas que puede salir de la mente de este hombre.

Una vez salimos de la sala , no sabemos muy bien que pensar , si nos ha gustado , si no , si nos ha dejado indiferentes…  así que vamos derechos al Auditorio a la proyección del film “ Hell “ .

En un mundo donde el agua escasea,  el sol se apodera de la capa de ozono del planeta dejando sin apenas aire con el que vivir a la población que intenta sobrevivir este caos.

Esta es la historia que nos cuenta el joven director Alemán Tim Fehlbaum , apadrinado  por el mismismo Roland Emmerich.

Hell nos sitúa en un futuro post apocalíptico , un mundo en el que escasea el agua , la comida , y sobretodo , el aire con el que respirar. La joven Marie junto con su chico Philip y su hermana Leonie se dirigen hacia montañas donde les prometen el oro y el moro , vamos , comida y aire con el que poder vivir.

Una fotografía correcta es lo más que podemos destacar en todo el film. Parecía interesante esta historia , pero desgraciadamente ya tenemos la “Matanza de texas” para disfrutar de este tipo de cine.

Una familia carnívora? Otra vez? No muy astuto ha estado el guionista y director en cuanto a la elección de esta historia. Con fallos de guión que son de “ traca” y situaciones de lo mas irrisorias ( sobretodo en el final ) , hacen que todo el esplendor reluciente fotográfico, se quede  en un mar negro sin nada a relucir.

De nuevo, otra película que estábamos con las expectativas altas para llevarnos posteriormente una nueva decepción. Esperemos que este chico vaya a más y no a peor.

Llega la hora de un midnight extreme , aquellos que empiezan a la 1 de la mañana y no sabes cuando acaban. Donde las carcajadas del publico ,( normalmente al ver tan semejante caspa ) están presentes de principio a fin.

La maratón empieza con “ The victim “  una película protagonizada por Michael Biehn , ( al que estamos viendo rodando por los pasillos del hotel Melia ) y su inseparable mujer Jennifer Blanc también presente en el metraje , y una nueva joya del cine de terror , Danielle Harris.

La historia es un tanto insulsa , por no decir un bodrio. Una chica que intenta escapar de dos policías que supuestamente asesinan a su amiga ( Daniella Harris ). Corre que te corre es lo que explica el director de la película ( Michael biehn , el cual participa como actor y como productor del film ).  Una historia “psicológica” sin sentido alguno , quizás podamos encontrar algo bastante agradable ,  ver desnuda a Jennifer Blanc y casi a Danielle Harris. Intenta querer dejar al espectador en ascuas con su final de parvulario , pero al minuto 20 ya sabemos quien es el asesino y que es lo que pasará durante toda la hora y veinte minutos que dura.

No gore , apenas sangre , malos diálogos , actuaciones nefastas , son cuatro de los ingredientes que nos depara “ The Victim “. Tal como dijo en la presentación el director , “ la película no se puede tomar en serio “ ,  pero es que a mi entender se ha quedado corto.

Dos películas sin éxito para este actor , “ The Divide “ , la cual se explica en nuestro anterior día, y ahora esta semejante estupidez , “ The Victim “ , menudo logro….

Dejamos a un lado esto , nos olvidamos , reponemos fuerzas , y en diez minutos empieza una de las que serán las joyitas del festival ,” Hobo with a Shotgun “.

“Hobo with a shutgun “ nos explica la historia de un vagabundo , tirado en las calles , sin casa , sin comida , sin familia , que intenta comprarse una maquina de cortar el césped. Y pensareis ,  para que querrá un vagabundo comprar una maquina de cortar el césped? Porque no tenemos respuesta , pero esa es la misión de nuestro protagonista , un clásico del cine , Rutger Hauer.

Entre la maquina de cortar el césped y el vagabundo , se interpone una joven prostituta con problemas ( mafias y demás ) , y nuestro viejo protagonista intentará solucionar.

Después de esta introducción , es cuando viene la marcha , sangre  la que mas  , gore bastante extremo , y sobretodo risas y mas risas es lo que veremos . Y es que cada vez que cortan una cabeza , con toneladas de sangre , el publico enloquece ( porque estamos en Sitges señores , y esto es lo que nos motiva ). El guión en esta ocasión importa un comino , ver a este vagabundo , con una escopeta recortada y cargándose a diestro y siniestro , no tiene precio .

Ya no solo es el entretenimiento de las muertes , de la sangre , del gore , si no que los efectos especiales que ha utilizado el joven Jason Eisner ( director del film ) no son moco de pavo. Podemos decir que para ser una película serie “ Z “ , están la mar de bien . Manteniendo el grano de las viejas cintas VHS ,  el director consigue realizar un magnifico trabajo y poder así satisfacer al publico a este genero tan particular.

Legado a este punto , por fin hemos visto algo con lo que hemos pasado un tiempo excepcional dentro de la sala , y nada mejor que para irse a la dormir pasadas las 4 de la mañana , con un buen sabor de boca.

Mañana nos tocará otro día a pleno rendimiento.

Resident Evil: Afterlife (o Ultratumba, como se le conoce aquí) ha tenido una recaudación este finde en todo el mundo de alrededor de 45 millones de dólares. Teniendo en cuenta que el presupuesto total ha sido de unos 60 millones de dólares para toda la peli, la semana que viene ya generan beneficios con la gente que no ha ido a verla. En parte eso es debido al hecho que las entradas para el 3D son más caras. Aún sin entrar en detalles de esta 4, la noticia es que habrá una Resident Evil 5.

Vayamos al grano: bajo mi punto de vista, Resident Evil Ultratumba es una bazofia en general. Fui a verla en 3D, estuve a punto de coger la entrada en 2D porque, para mi, el 3D está sobrevalorado actualmente debido a que es un truño y nos lo venden como si fuera oro. Independientemente del tema del 3D, Resident Evil 4 carece de un buen guión y muchas escenas están enfocadas a su efecto 3D. Mucho efecto de cámara lenta y primeros planos que no sirven para la historia. No tiene ni la acción ni la trama de las 3 anteriores. Lo único que tiene cierta trascendencia es ver a los hermanos Redfield juntos, pero ni sombra del ego que deberían tener esos personajes según el videojuego.

Enfocándo ahora el tema a la quinta entrega, fue la propia Milla Jovovich la que confirmó las intenciones de la secuela.

La info nos llega de Vulture:

“De toda la franquicia, esta peli ha sido la primera en situarse en el número 1 del fin de semana (N. del T.: claro, tampoco ha habido muchos más estrenos del palo, como pasó antaño)”, dijo la propia Milla, “así que vamos a hacer otra”, concluyó Jovovich, añadiendoq ue el director Paul W.S. Anderson, su marido, ya tiene algunas ideas acerca de esa peli y se quiere enfocar a lo que la audiencia quiera ver. Han estado hablando con sus fans a través de Twitter así que será una de esas pelis ‘paridas’ por los fans con un proceso más interactivo.

Via | Filmonic

Hemos asistido hoy al pase de prensa de la peli de Sony Pictures, Niños Grandes, con Adam Sandler y Salma Hayek como protagonistas de cartel, acompañados por Chris Rock, Kevin James, David Spade, actuación corta de Steve Buscemi, y Maria Bello entre otros.

La verdad es que ya me esperaba un tipo de peli de esta manera: en realidad se intenta enviar un mensaje al público y se encaja en una historia de familias encontradas tras el paso del tiempo para celebrar el 4 de Julio americano. Las bromas sí que podrían ser situaciones reales en muchos casos, pero algunas están forzadas y metidas a piñón. No hay que decir que yo, en ese caso, no me metería en tales embrollos.

Reconozco que la trama se va desarrollando según lo acordado: gente de bien que intenta rehacer a la familia para pasar de ‘snobismos’ y volver a ver los valores y el precio de la felicidad, pero de manera forzada.

Adam Sandler no hace su mejor papel; aunque también es cierto que ya va teniendo una edad y nunca ha salido de hacer papeles cómicos en cierta manera. No creo que gane un Oscar a menos que cambie de registro y creo, a estas alturas, que nadie lo va a tomar en serio cuando se plante con un proyecto de altura.

Salma Hayek, otro aliciente para ver la peli, brilla por su ausencia. Tanto en planos físicos como en papel de personaje, pues aunque hace de pseudo-adicta al trabajo, no reluce en ningún momento su cuerpo ni se le imprime caracter a su personaje. Tampoco provoca ninguna situación absurda, como sí lo hace la mujer del personaje de Kevin James, interpretada por la actriz Maria Bello (Asalto al Distrito 13 y Bar Coyote).

Evidentemente, los que hacen las gamberradas son los chicos que, pese a los años pasados, no han perdido su amor fraterno entre ellos y se lidian entre bromas sobre sus correspondientes estados. Al final todos afianzan confianza y negocios, reconociendo hechos como catedrales.

Reconozco que una de las escenas que más me he reido ha sido en el parque acuático, porque es un mix de ‘vamos a pasarlo bien como una gran familia’ cuando la cosa ya apunta al final del largometraje.

La parte positiva es que no hay efectos visuales y la producción habrá salido barata. Ergo, con tal de que vayan un número de espectadores normal para este tipo de comedias fáciles, ya salen ganando en el pastel.

Por desgracia, Salma ha decidido no venir a Palma rompiéndose una pierna, según informa Sony: El miércoles 28 de julio el reparto de la película Niños grandes visitará Palma de Mallorca, pero Salma Hayek estará ausente. Desde Sony informan que la actriz ha sufrido una lesión, produciéndole un desgarro en los ligamentos del tobillo que le imposibilita viajar. No obstante, sí estarán presentes en su visita a nuestro país los actores Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock y David Spade.

En Conclusión: Una peli normal para ver en familia, aunque no vale demasiado (a no ser que no haya otra opción o sea un requerimiento del espectador) ir al cine.

En el blog Halón Disparado han hecho una importante comparación de Avatar y todas las posibles fuentes de las que bebe.

El autor vió avatar el 4 de enero, y estas son sus impresiones (copio textualmente):

“… Debo confesarles que estoy hecho un lío: no sé si me ha gustado o no… Por una parte debo reconocer que el espectáculo en 3D me pareció una gozada y no se hizo para nada pesado. Por otra, me embarga la sensación de que la historia ya me la han contado antes y no tiene bastante “chicha” para llenar 160 minutos de película.

En cualquier caso, el ir con las expectativas por los suelos hace más sencillo disfrutar de algo que —impacto visual aparte— parece estar un poco hueco. Pero vamos a destripar un poco el film —si no lo han visto pueden seguir leyendo o ver el trailer: se van a enterar de todo igualmente— a ver dónde llegamos.

Como les he comentado, la sensación de déjà vu es total. No hay nada nuevo en la historia. El protagonista es un soldado en silla de ruedas —Nacido el 4 de julio— que es reclutado para manejar un cuerpo —Matrix, Paz interminable— híbrido de ADN humano y de los nativos de Pandora. En este planeta hay un mineral que vale un pastón, y también unos indígenas que viven en comunión con la naturaleza —Empotrados, La selva esmeralda— y que no van a moverse de encima de los yacimientos —Dune—. Asi que mandan al prota a infiltrarse entre los nativos, pero este, tras un duro aprendizaje, se acaba convirtiendo en uno de ellos —Un hombre llamado caballo— y simpatizando con su causa —Bailando con lobos—. Se lía con la chica-gato que le ha enseñado a ser un guerrero —¿Haru en el reino de los gatos?— y se cambia de bando —Mi hermosa lavandería—. Los militares pierden la paciencia y deciden cepillarse el árbol madre de los nativos que está sobre el yacimiento —World Trade Center— con armamento bastante desfasado —Aliens, ¡coño, Cameron!—. El prota y sus colegas se reúnen con los indios nativos y los organizan para luchar —La misión—. Los malvados imperialistas se percatan de ello y lanzan un ataque preventivo sobre el corazón del territorio de los gatitos —¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú— que se pintan la cara de azul —Braveheart— y se aprestan a la lucha. Los buenos ganan, el chico se queda con la chica aunque sus colegas mueran casi todos, y comieron perdices —Ponga aquí el título que le parezca—.

Cosas que molan: ecología, aventuras, biología alienígena, batallas, efectos, naves de combate, mechas. Cosas que no molan: tecnología derrotada por flechas, mechas (¡con machetes!) derrotados por flechas, hembras alienígenas con tetas (en número de dos), espiritualidad a saco, los buenos ganan.”

Aunque la mayoría coincide, se ha olvidado lo mejor: la comparación con PocaHontas.

Acabo de llegar a casa tras un día de trabajo y darme la alegría de ver el primer pase de Transformers 2 (sí, todavía no tengo pases de prensa en Mallorca como para hacerlo antes del estreno).

La verdad es que, dado que ya había leido reviews varias, me ha dejado un buen sabor de boca en general… y una parte negativa, muy pequeña, que explicaré más adelante.

Empecemos… (no seguir si no quereis ver SPOILERS de la peli)

La verdad es que tras empezar la peli, ya prevees que será muy movida, pues se oye la voz de Optimus explicando lo que ha ocurrido en los dos años transcurridos desde el final de la primera entrega y esta secuela. A la vez y casi al terminar, vemos a las fuerzas especiales junto al grupo de Autobots buscando y matando a un Decepticon, así que esta peli sigue la frase que reza “una buena peli debe empezar con un terrremoto y seguir a partir de ahí…”, que no sé quien la dijo.

Acto seguido es un sinfin de cambios de escena, en la primera parte, donde vemos a los Decepticons acercándose a la Tierra y a Sam como se va a la universidad; con el sollozo de los padres por en medio, la despedida de Bumblebee, la despedida de Mikela, etc…

Los decepticons buscan a Megatron, y lo consiguen filtrándose con un satélite ‘hackeado’ en la red de Defensa (otra vez).

Mientras, Sam y Mikela tienen que llevar la distancia como pueden y encima Sam comienza a tener las visiones que tuvo su abuelo porque un trozo de la Chispa Vital se quedó en uno de los pliegues de la sudadera que llevaba el día del combate.

A partir de ahí, es una carrera de los Decepticons por poseer los conocimientos que tiene Sam, que tiene un compañero de habitación que no cree todo lo que está pasando.

Megatron hace un anuncio en directo para todas las televisiones del mundo, pues ve que no puede dar caza a Sam por medios normales, e insta a todo el mundo a que busque a nuestro héroe para evitar que la Tierra sea destruida.

Entre una cosa y otra, el compañero de habitación de Sam le lleva a ver a su contrincante en la red (en la cual luchan por dar la verdad con noticias, información y videos en internet) porque dice que sabe más sobre lo que tiene en la cabeza. ¿Adivinais quién? Pues el Agente Simons (John Turturro) es el que lo sabe todo acerca de la información tras robar al Sector 7 todos sus archivos tras ser desmantelado y retirado del servicio activo.

Simons y toda la tropa consiguen que un pequeño Decepticon que ha peleado con Mikela, les diga donde pueden encontrar a alguien para descifrar el código que Sam dibuja sin poder evitarlo. Tras esto, consiguen entrar en el museo Smithsonian (famoso por la peli Una Noche en El Museo 2) y hablar con Jetfire, un antiguo Decepticon unido a los Autobots a lo último de su guerra civil.

Tras explicarle lo que pasa, Jetfire usa un agujero espacio temporal para trasladarlos a todos a Egipto… que fue el último sitio donde se supone que debía buscar algo.

Mientras, el ejército y el presidente de los USA insta a los Autobots a abandonar el planeta pues argumentan que los Decepticons solo aparecieron tras su llegada, y que puede ser que simplemente les busque a ellos.

Por otro lado, Starscream sigue la pista de Sam y del resto por Egipto, cosa que hace que los Decepticons desembarquen allí.

Simons logra ponerse en contacto con los amigos del ejército para hacer que los Autobots caigan también en ese punto, donde se supone que está todo el embrollo.

Y hasta aquí puedo leer sin destriparos la peli demasiado.

Hablemos de lo bueno y lo malo.

Lo bueno:

• Megan Fox en todo su esplendor
• Bumblebee en modo coche
• Los cambios de cámara típicos de Michael Bay y la luz con la que consigue grabar las escenas
• Las escenas de los militares, realistas hasta el punto más crítico (quitando el tema de los robots gigantes claro)
• Las explosiones, a cada cual más bestia (también hay que ponerse en situación de saber qué tipo de peli vamos a ver)
• El CGI (escenas y efectos visuales de la ILM), a veces te dan escalofríos al ver como están integrados.

Lo malo (tampoco es que sea malo, podríamos dejarlo en menos bueno):

• Los gemelos: son dos autobots en plan vacilones que intentan poner el punto gracioso en la peli, el tema es que (según otras webs y reviews) parece que revientan la peli. Yo me he reido con ellos y sus salidas; aunque no es algo tronchante, al menos le dan un punto a la peli.
• La trama: en realidad la peli se basa en cambios de localizaciones muy bestias (de China a USA, y de esta a Egipto) donde el fondo de la historia toca el surrealismo (un Camaro de 2010 por las calles de Jordania es de todo menos normal). Como ya he comentado antes, hay que saber qué se va a ver y juzgar dentro de eso: una peli con explosiones, mucho efecto digital y el ejercito con un trasfondo de robots gigantes. Tampoco se le puede pedir mucho a la trama.

En fin, hasta aquí mi luz sobre esto. Como conclusión añadir que no se me ha hecho pesada, ni tampoco es un peliculón, solo que la volvería a ver un par de veces más, como ya hice con la primera.

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Podría decir que me gustan las películas de Sam Mendes. Tengo pendiente el visionado de Jarhead, pero American Beauty y Camino a la Perdición me encantaron. Muy bien rodadas, con muy buenas interpretaciones y unas historias que te dejan mal cuerpo.

Revolutionary Road me ha encantado. No me parece perfecta porque le falta algo, no acaba de llenarne del todo pese a lo bien rodada que está.

Para empezar, el trabajo de todos los actores es impresionante. Kate Winslet y Leo DiCaprio están que se salen ( siempre fueron buenos actores ), la brutalidad de sus peleas es tan grande que realmente llegas a sufrirlas tu también. Quizás le ocurra a Winslet lo mismo que a Angelina le ocurría en “El Intercambio”, al principio emociona la actuación, pero luego se repite bastante con lo mismo y deja de sorprender tanto. Pero aún así está de Oscar. DiCaprio siempre me pareció un actor tremendo al que no se le valoraba justamente por ser el típico guapo de Hollywood. Pero parece que estos guapos ( como Brad Pitt o Johnny Depp ) acaban haciendo papeles en los que demuestran que tras la cara bonita hay un gran actor.

Otro actor que destaca es Michael Shannon, con un par de escenas en las que mezcla el humor y el drama de manera magistral. Merecida su nominación al Oscar, aunque no se si se deberían nominar apariciones tan cortas en una película.

La fotografía y toda la ambientación es perfecta, a medio camino entre “El Intercambio” y “Atrápame si Puedes” ( película que no paras de recordar cada vez que DiCaprio sale a la calle con su ropa de los años 50 tras esa fotografía tan “deslumbrante” ). Curiosamente el personaje de DiCaprio se llama igual que su personaje en “Atrápame…”, Frank.

Guión sin trampas, ofrece una historia simple pero desgarradora sobre un matrimonio con muchos problemas. Quizás sea demasiado fría desde el principio y por eso cueste un poco seguirla, pero una vez van apareciendo personajes que influyen en la vida del matrimonio, la película va ganando interés.

La música de Thomas Newman me ha parecido bastante buena. No llama mucho la atención, pero esta clase de películas siempre van acompañadas de bandas sonoras que pasan desapercibidas.

Lo Mejor:

- Las actuaciones de todos los actores.
- La frialdad de la historia y las verdades que cuenta.
- La imagen final, que dice muchísimo sobre la vida.

Lo peor:

- Le cuesta un poco arrancar.
- Está bien que vaya directa al grano y no tenga subtramas innecesarias, pero quizás se esperaba más visto el equipo que ha hecho la película.

“Australia” nos sitúa en plena Segunda Guerra Mundial. Lady Sarah Ashley (Nicole Kidman) es una rica inglesa que decide viajar a Australia en busca de su marido, el cual lleva un tiempo visitando un rancho y sin dar señales de vida. Allí conoce a Drover (Hugh Jackman), un duro vaquero poco querido por el resto de los habitantes del pueblo. Una vez en el rancho, Lady Ashley se verá obligada a hacerse cargo de él con la ayuda de Drover, lo cual hará que desarrollen una buena amistad y algo más.

Su director, pese a tener una corta filmografía, dispone de cierto prestigio gracias a su magnífico musical “Moulin Rouge”. El resto de su filmografía me parece solamente correcta, destacando solamente por su forma de adornarlo todo y hacer que visualmente sus películas llamen bastante la atención.

Quizás ese sea uno de los mayores fallos de “Australia”, Luhrmann ha decidido no prestarle tanta atención a los personajes como al aspecto visual.

Poco o nada tiene “Australia” de esas grandes y épicas historias de amor de las que Luhrmann intenta copiarse. Pese a contar con dos grandes rostros de Hollywood no consigue en ningún momento hacer que el espectador sienta algo por ellos y por su relación.

Muchos besos, muchas lágrimas, planos que intentan ser bonitos y al final no hay nada, solo ganas de que termine de una vez tras 2 o 3 falsos finales.

Ni los dos grandes actores que protagonizan la película consiguen salvarla. Hugh Jackman, actor que está subiendo a lo más alto gracias a trabajos con directores como Christopher Nolan o Woody Allen es aquí un simple florero con la única función de atraer al público femenino a los cines. No faltan en la película infinidad de escenas de Jackman sin camiseta, marcando culo, mojado y haciéndose el duro.

La carrera de Nicole Kidman, al contrario de la de Jackman, va cada vez más para abajo. Últimamente no tiene mucha suerte a la hora de elegir sus papeles. Se habla más de ella por sus operaciones y su vida personal que por sus trabajos.
Una lástima, porque demostró no ser mala actríz en trabajos como “Dogville” o “Moulin Rouge”.
En “Australia” crea un personaje sin interés que no aporta gran cosa a la película y te deja bastante frío. La química con Jackman es prácticamente nula. Y es una lástima, podrían haber aprovechado la percha que tiene la actríz para, al menos, contentar a los hombres como hace el personaje de Jackman con las mujeres.

Es una pena que Baz Luhrmann no aprovechara todo el equipo, el dinero y a sus 2 estrellas para hacer una gran película. Lo tenía todo, un importante momento histórico, protagonistas guapos y famosos, un país con paisajes inceibles y un montón de dinero.

Todo esto solo le ha servido para aburrirnos durante casi 2 horas y 40 minutos. El comienzo te deja un poco frío, a media película parece que la cosa mejora, pero luego se hace muy larga y pierde el poco interés que había creado la parte central. Llega un momento en el que solo quieres que termine y, cuando lo hace, es de la peor manera que podría haber elegido Luhrmann de los 6 finales diferentes que escribió.

Quizás tuviera buenas intenciones, pero no son suficientes para una película tan grande y que creó tantas espectativas. Falta épica, falta química entre los personajes y falta una buena banda sonora.

La próxima película de Luhrmann no nos pillará por sorpresa, pues iremos con pies de plomo.

El pasado domingo los chicos de Bloguzz nos invitaron a un pase privado de la nueva película de Ben Stiller, Tropic Thunder.
Además visitamos las nuevas oficinas que Paramount ha abierto en Madrid y que cuentan con su propia sala de cine con capacidad para unas 40 personas.

Pase privado de Tropic Thunder, merendola cortesía de Paramount, regalito sorpresa y poder deleitarnos con 40 minutos de “Eagle Eye” ( del que os hablaré en otro post )… ¿ Se puede pedir más ?

Hablemos sobre la película.
Este año he podido ver muchos peliculones como “El Caballero Oscuro“, “La Niebla” o “Sweeney Todd“, pero no he visto comedias realmente buenas. “Forgetting Sarah Marshall” no estuvo nada mal, pero no es de las que hacen que la gente de la sala se ria continuamente.
Así que este género es el que menos he podido disfrutar este año… Hasta que llegó Tropic Thunder.

A simple vista puede parecer otra comedia simplona, esta vez ambientada durante una guerra, pero desde el primer segundo de película se nota que detrás de la cámara está el loco que hizo “Zoolander“.

La película comienza con 4 falsos anuncios como si de “Grind House” se tratara. Cada uno de estos anuncios presenta a uno de los protagonistas del film, actores contratados para rodar una película de guerra que precisamente no va por muy buen camino.

Tugg Speedman, el famoso actor de acción que anda en su peor momento de popularidad. Alpa Chino, estrella que patrocina su propio refresco y que actua por primera vez. Kevin Sandusky, desconocido actor que pretende saltar a la fama con Tropic Thunder. Jeff Portnoy, famoso actor cómico enganchado a la heroína y Kirk Lazarus, la mayor estrella de Hollywood que cambió de color su piel solo por esta película.

Si “Zoolander” criticaba el mundo de la moda, Tropic Thunder va a saco a por el mundo del cine. Se rie de los actores, agentes, productores, directores y hasta de los críticos y miembros de la academia. No se cortan nada en meterse con famosos conocidísimos, el HD-DVD y hasta con ellos mismos.

Hay chistes inteligentes, guarros, fáciles, sorprendentes y sobretodo divertidos.

Aunque la historia sea bastante simple, el carisma de algunos personajes y el desfile de cameos hace que la película no aburra en ningún momento.

¿ Alguien dijo que había un cameo de Tom Cruise ? Pues para nada es un cameo, es un papel en toda regla, uno de los más tronchantes, por cierto.

A Cruise se le suman caras conocidas como Nick Nolte, Matthew McConaughey ( papel que iba a interpretar Owen Wilson antes de su intento de suicidio ), Tyra Banks, Jon Voight, Jennifer Love Hewitt, Jason Bateman, Alicia Silverstone, Tobey Maguire y algunos famosos más. Vamos, un desfile de amigos de Stiller en toda regla.

Ese reparto mezclado con el humor de Stiller, algo de gore y mucha acción hacen que la película sea realmente divertida y te mantenga con una sonrisa en la cara durante las casi 2 horas que dura.

Pero si realmente hay alguien que sobresale en Tropic Thunder ese es Robert Downey Jr., lo mejor de la película pese al doblaje que le quita mucha gracia a sus frases.

Si os gustó el humor de “Zoolander” seguramente lo paseis bien con Tropic Thunder. Para mí es la comedia del año.

Lo mejor:

- Robert Downey Jr. y Tom Cruise.
- Los Fake Trailers.
- El desfile de famosos.

Lo peor:

- La historia en sí es simplona.
- Han cortado escenas que aparecían en los trailers.
- El doblaje que no respeta la traducción.

Recomendada a todo aquel que quiera pasar un buen rato sin tener que pensar mucho.

Gracias otra vez a la gente de Bloguzz y Paramount por la perfecta organización del evento. Espero que nos veamos pronto!